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Carnival of Souls

25 May

“The world is so different in daylight. But in the dark, your fantasies get so out of hand. In the daylight, everything falls back into place again.”
—Mary Henry in Carnival of Souls

Herk Harvey era un empleado de la Centron Corporation de Lawrence, Kansas, que se dedicaba a las películas educacionales y videos orientativos formativos de profesionales. En 1962, con 30.000 dólares de la época, un equipo de entusiastas, y tácticas de cine guerrilla, hizo una película de serie b fantástica, el Carnaval de las Almas, llamada a convertirse en una cult-movie. Sería su única incursión, por puro amor al cine, diferenciándose de otras series b a lo Corman con una vocación marcadamente comercial.

A estas alturas, John Cassavetes, el que sería el antecesor de las técnicas de cine indie barato, sólo había dirigido Shadows y Too Late Blues. Quizá la forma de producir de Cassavetes no se deba a la película de Harvey, pero sorprende lo mucho en que coinciden. Frankenheimer apenas había abandonado la TV. Tras Touch of Evil, Orson Welles todavía estaba por iniciar su exilio en el que manejaría presupuestos ajustados, empezando con El Proceso y Campanadas a Medianoche, y desarrollaría un modo de producir precario y arriesgado con muchos hallazgos y no pocos fracasos. Herk Harvey puede considerarse un auténtico pionero, lleno de soluciones imaginativas a nivel de efectos, caracterizaciones, formas de rodar, localizaciones y ambientación fantasmagórica.

Las referencias inmediatas de Carnival of Souls son Psycho (1960) de Hitchcock, Murneau y y el impresionismo del gabinete del dr. Caligari, y la serie Twiglight Zone de Rod Serling (1959) con la que comparte estética y sensibilidad, al emplazar el género fantástico y terrorífico en el corazón de la estética de la América de Eisenhower. Otras referencias apuntarían al noir menos obvio, como Hitch-hiker de la imprescindible directora Ida Lupino.

Todavía más importante sería la influencia de Carnival of Souls en dos directores seminales: George A. Romero y David Lynch. El primero adoptaría la estética, la logística de guerrilla, la producción, la dirección de actores. El segundo adoptaría la cualidad de sueño y pesadilla, el ambiente onírico, el costumbrismo de la América conformista súbitamente perturbado por lo extraño, inexplicable, el eros y el tánatos filtrándose en la “normalidad” como lo inconsciente expulsado por el conformismo consumista y racionalista. Carretera Perdida es casi un remake no confeso de Carnival of Souls, y ésta se puede intuir como influencia tras Blue Velvet, Mullholland Drive, Twin Peaks e incluso Erasehead.

Sin embargo, Carnival of Souls es mucho más. Un cuento fantástico que comienza con un accidente de coche, sigue con el traslado de una organista de iglesia a un pueblo modélico, las visiones pesadillescas de un extraño hombre con aspecto de espectro, la fascinación por un hangar abandonado que fue en tiempos un balneario, momentos de desconexión de la realidad en que la protagonista no puede ser percibida o escuchada por quienes la rodean, dejándola aislada, perturbada, desesperada por existir…

Y sin embargo, en su vida cotidiana, una vida solitaria, vemos como nuestra protagonista es una mujer sola, con un trabajo, no interesada en los avances rapaces de su vecino en la fonda, un baboso admirador con incipientes problemas alcohólicos que nos deja bien claro que las mujeres de la era Eisenhower no están para ser independientes. Esa independencia y solitud es lo que deja marcada a la protagonista, también rechazada en su trabajo, en el que se le exige una fé, una predisposición a ser parte del rebaño pastoral de la comunidad, que no está dispuesta a adoptar. Mientras, su psyque se va viendo arrastrada a un mundo de espectros y absurdos oníricos, mientras pierde pie en la realidad cotidiana desapareciendo de la misma de forma intermitente, dejando de ser vista por los ciudadanos “normales”.

Como algunas de las grandes joyas de la época, funciona como cuento fantástico y terrorífico, y como sática de una sociedad conformista, misógina, machista y tradicional, en la cual es imposible hacer contacto realmente con nadie, siendo todos almas condenadas. Imprescindible.

Crítica Criterion

Sueño y Realidad en Carnival of Souls

Entrevista con Herk Harvey

Trailer:

Película entera en Castellano:

Islas en la Red feat. Alex Herrera T01E09- Luis García Berlanga Vol II (1959-1974)

13 May

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Podcast en dónde se narra en alegre debate el providencial encuentro de Berlanga con Azcona y el productor Alfredo Matas que daría resultado a sus enormes Plácido y El Verdugo, tras tantearse en Se vende tranvía de Juan Esterlich. De cómo el éxito crítico pero polémico del Verdugo hace peligrar su carrera, dejándolo marcado y obligado a mirar hacia afuera del sistema español, dirigiendo las fabulas de La Fontaine, La Boutique/Las Pirañas, Vivan los Novios, elaborando el concepto para El Extraño Viaje de Fernán Gómez, y embarcándose en un viaje artístico suicida con la incomprendida Tamaño Natural.

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Islas en la Red feat. Alex Herrera- Luis G Berlanga Vol 1 1948-1958 Ultimate Edition

24 Feb

e0bea5f50cbfcd260b278987ff355cc834559e6be5fa37c57529592fc2000c2c212e41da0eec788f212800b027fdb35aDe nuevo convocando al colaborador del podcast Islas en la red menos inmune a mis insistentes convocatorias, volvemos con el primer capítulo dedicado al que para mi es el genio indiscutible del cine español: Luis García Berlanga, el primero de lo que espero sea una trilogía austrohúngara.

Exploramos sus primeros pasos, su asociación con Juan Antonio Bardem y con Jose Luis Colinas, las primeras constantes de su cine, las brutales consecuencias de la censura que mutilaron al menos dos de sus cinco primeras películas (Mención especial para “Los jueves, milagro), su obra maestra Bienvenido Mr. Marshall, y su película más en solitario de su carrera Calabuch, un cuento capriano.

A pesar de los altos y bajos y el aprendizaje de esta etapa, la extraordinaria periodicidad de sus películas en estos años, seguida por sus dos primeras entregas con Azcona, nunca volverían a repetirse. Una película cada dos años, en un momento difícil de censura, escasez de medios, y una ola de cine patrio muy alejada de su universo personal.

Nos detemos justo en el momento previo a su crucial encuentro con Azcona.

Disfruten, desde la División Azul, hasta Calabuch, pasando por la escuela de cine, su tortuosa relación con su compañero Bardem, su primer éxito, su colaboración con Colinas, la censura, los problemas e inseguridades de los primeros rodajes. Esa Pareja Feliz, Bienvenido Mr Marshall, Novio a la vista, Los jueves, milagro y Calabuch.

Descarga/Streaming en Ivoox

Disponible en Spreaker

Disponible también en itunes

Homenaje a Marjorie Wood

27 Dic

vertigomarjorieMarjorie Wood, en Vértigo, se encuentra totalmente en segundo plano, pero es la persona que con determinación férrea y amor constante está con James Stewart en sus momentos más bajos. Es ella, y no Kim Novak, la heroína. Es el personaje femenino más fuerte, realista, de carne y hueso, cargada de una feminidad real, del muy discutible repertorio de personajes femeninos del cine de Hitch.

Tenido por un misógino fascinado por la mujer, consumido por sus fantasías, por una pulsión sádica y una dependencia edípica, la crítica feminista posterior a la “mirada masculina” de Laura Mulvey le golpeó duro. Sin embargo como Michaela Pluskovich apunta, Vértigo, La ventana indiscreta, y sobre todo Los Pájaros (en menor medida Marnie) se adentra de una forma más compleja, y a la vez descomplejada, en el estudio de la psique femenina, el misterio del que Freud se lamentaba en no comprender.

Me gustaría remitirme a las interesantes reflexiones de Pluskovich:

Las escenas con Midge, por ejemplo, indican de ella no sólo que es inteligente como mujer, sino que el uso de varios primeros planos sugieren una superioridad incluso respecto del protagonista masculino Scott.

Algunos teóricos como Slavoj Zizek sugieren que la decisión de Hitchcock de retratar a personajes femeninos como Midge sólo cumple “detalles característicos que persisten y se repiten sin un significado común” . Sin embargo, al mirar estos detalles más de cerca, también son un dispositivo para desacreditar aún más al personaje masculino, en este caso Scott, que ya está emasculado por su acrofobia.

En la segunda escena de Vertigo, al espectador se presenta  Midge, un apodo para Marjorie que casi suena varonil, así como la situación actual de Scott después de su accidente en los tejados de San Francisco, relacionado con su trabajo como detective. Mientras que el diálogo en la escena transmite una cierta degradación de Midge por los comentarios despectivos de Scottie, como “Oh, no, … Midge, no seas tan maternal”, el movimiento de la cámara da paso a la mente de Midge.

Aunque Scottie presuntuosamente no espera ninguna reacción a su comentario, la siguiente toma es un primer plano de Midge mirando desde los bocetos en los que está trabajando y mirando hacia Scott. Este rápido momento da a la audiencia la oportunidad de identificarse con los sentimientos de Midge y con el siguiente plano que muestra a Scottie desde la perspectiva de Midge, jugueteando con su bastón y sin notar la reacción de Midge, con Scott opaco e ignorante para el espectador.

Aunque este momento es bastante poco importante para la trama, como lo es para el protagonista masculino, podemos encontrarlo varias veces a lo largo de la escena, lo que hace hincapié en su importancia para Hitchcock para dar al espectador una oportunidad de empatía con la perspectiva femenina y al mismo tiempo un cambio a una “mirada de mujer”.

The Reprisalizer

22 Ene

Hace unos años, Holness, Ayoade (IT Crowd), Alice Lowe o Matt Berry formaron un equipo en la seminal Garth Marenghi’s Darkplace, que reproducía la serie ochentera de horror de serie b tamizada mediante la visión de un impersonator de Setphen King.

Tan descacharrante proyecto y sus varios spin off (Man to man with Dan Learner) fueron la escuela perfecta para Ayoade, quién dirigiría varios videoclips (Arctic Monkeys, Kasabian) colaboraría con otros cómicos (Noel Fielding, el mismo Berry) y acabaría dirigiendo un delicioso y perfecto debut en pantalla grande, la imprescindible Submarine.
De Holness poco supimos mas allá de ciertas apariciones para Ricky Gervais (Life’s too short). Ahora descubro con sorpresa e ilusión que prepara un proyecto de película que promete hacer lo mismo para el género negro hard boiled, que Garth Marenghi para el horror.
Un escritor, de nuevo, Terry Finch, inspirado en Spillane, crea un personaje ultraviolento, un Mega-Clint Eastwood, un Mike Hammer, The Reprisalizer. Holness ha cogido el mockumentary a la Spinal Tap y ha creado su propio subgénero. El papel de Frank Barrow, antologista y fan de Finch, aún no se sabe cómo encaja en tamaño rompecabezas que ya se va armando en la red, cuenta de twitter inclusive

Pd. De propina me entero que Alice Lowe tampoco ha estado precisamente cruzada de brazos, que también ha actuado en multitud de series inglesas, ha montado espectáculos, ha grabado y escrito cortos, prepara una película como guionista y actriz sobre autocaravanas, y, sobre todo, ha grabado falsos clips de lo más variados, creando artistas ficticios. Os dejo con una parodia de Kate Bush, y con el clip en que parece inspirarse. Una ocasión más para que ejercite la mirada de loca que tan bién desarrolló en Garth Marenghi. Sirva como Cover War. Me veo obligado a editar: Aclaro que la parodia es Earth song, el primero de los vídeos. El original es un pedazo de freakada que puede inducir a confusión. Eran los 80.

Miedo

31 Oct